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Comenzamos las valoraciones de esta temporada de primavera 2009 con K-ON!, anime del estudio Kyoto Animation, y dirigido por la misma directora del OVA de Lucky☆Star y algunos capítulos de Suzumiya Haruhi.
K-ON!
Género: Slice of life, comedia, música, instituto Estudio: Kyoto Animation Cadena: TBS / BS-i
Argumento
Yui acaba de comenzar su primer año de bachillerato en un nuevo instituto y quiere formar parte de algún club. Termina decidiéndose por el club de música “tranquila” Kei ongakubu o abreviado K-ON. Junto con las restantes miembros del club formarán una banda de música e intentarán llegar a lo más alto.
De izquierda a derecha: Al bajo Miyo, batería Ritsu, guitarra Yui y teclado Tsumugi
Crítica
Argumento simple sin duda, aunque eso no lo hace poco efectivo, pues en los slice of life premian los argumentos sencillos. Con una buena banda sonora como debía ser, una protagonista que parece la mezcla de Yuno (Hidamari Sketch) y Tsukasa (Lucky☆Star) y una banda completa de chicas, probablemente sea bastante decente.
Muy destacable tanto opening como ending, cantados por el cuarteto protagonista, y con un dibujo y animación bastante expresivos.
Valoración: Argumento: 5/10 Animación: 6/10 Banda sonora: 8/10 Caracterización de personajes: 6/10 Entretenimiento: 7/10 Total: 6.5/10
Una semana más vuelve el Invitado estrella de Otaku Bloggers con un artículo de Stif-Maister en el Jeparla's Blog. El artículo de esta semana se titula "Sobre licencias y presión mediática", y podéis encontrarlo en [este enlace].
La semana que viene publicará Japanese Note en el blog de Stif-Maister, completando la primera vuelta de Otaku Bloggers.
Esta semana, en el Invitado estrella de Otaku Bloggers... Los mangas de hoy en día. Artículo de Jeparla publicado en Shibuya Comics. Una crítica a otro de los principales motivos de la carestía de obras variadas en las estanterías de comics españoles: los lectores.
En menos de 10 días comienza la nueva temporada de anime, así que voy hoy a comentar brevemente los animes que más expectación me suscitan de la larga lista que se van a estrenar en las próximas semanas. Hay de todos los géneros y para todos los gustos. ¡Vamos allá!
Cross Game
Shounen. Comedia romántica que gira alrededor de un equipo de instituto de béisbol. El manga del que proviene recibió el premio Shogakukan al mejor shounen del año 2008 hace dos meses. El trailer lo podéis encontrar en esta noticia de Ramen para dos
Interés: 3/5
Guin Saga
Fantasía heróica. Adaptación de una saga de novelas ligeras del autor Kurimoto Kaoru. La saga comenzó su publicación en 1979, y se encuentra actualmente por el libro 126. Tanto opening como ending serán solo instrumentales. El opening, titulado Guin no Theme, está compuesto por Nobuo Uematsu.
Interés: 3/5
Natsu no Arashi!
Adaptación del manga de Kobayashi Jin, autor de School Rumble. Comedia romántica sobrenatural animada por Shaft de 13 episodios. Será dirigida por Akiyuki Shinbo, director de Hidamari Sketch y Sayonara Zetsubou Sensei entre otras. A continuación el trailer mostrado en la Tokyo Anime Fair '09 . El trailer lo tenéis disponible en [este enlace]
Interés: 5/5
Hatsukoi Limited -
Comedia romántica serializada en la Shounen Jump y recogida en 4 tomos. Cuenta la historia de 8 chicas y sus vidas amorosas en forma de relatos cortos. Su autora, Kawashita Mizuki, es la creadora de Ichigo 100%
Anime original de TV de 11 episodios dirigido por Kamiyama Kenji, también conocido por dirigir Ghost in the shell SAC o Seirei no moribito. La historia comienza cuando en Noviembre de 2010 un misil impacta una zona no habitada de Japón, sin causar víctimas. Tres meses después, aparecerá en EEUU un chico sin memoria que lo único que posee es una pistola y un móvil con 8200 millones de yenes en dinero electrónico.
Interés: 5/5
K-On!
Comedia. Adaptación de un 4-koma manga realizada por Kyoto Animation. En un instituto femenino, unas chicas se unen a un club de música para intentarlo salvar de su cierre. Su directora, Hisako Yamada, ha dirigido el OVA de Lucky☆Star y algunos capítulos de Suzumiya Haruhi.
Interés: 5/5
Phantom ~Requiem for the phantom~
Adaptación de una novela visual de Nitroplus dirigida por Mashimo Kouichi, director de la saga de .Hack y Tsubasa Chronicles entre otras obras, animada por Bee Train y con canciones de Kokia y Ali Project. La historia gira alrededor del secuestro de un niño de 15 años que fue testigo de un asesinato, al que le borran la memoria y le obligan a entrar a una organización de asesinos: Phantom.
Interés: 4/5
Saki
El anime del estudio Gonzo de la temporada. Adaptación de un manga de Mahjong. Probablemente obtenga el premio a la serie absurda de la temporada, con el permiso de la segunda temporada de Hayate no Gotoku!. El trailer lo podéis encontrar [aquí]
Interés: 2/5
Full Metal Alchemist
Re-adaptación del manga del mismo nombre a animación. En etsa ocasión han prometido ser fieles al manga original, lo cual nos dejará con un comienzo muy similar a la antigua serie y un desarrollo bastante diferente. En el enlace de Rp2 tenéis el trailer de la Tokyo Anime Fair '09.
Interés: 4/5
Estos son los animes que he seleccionado para el preview, pero hay muchos más. ¿En cuales estáis interesados vosotros? La lista completa de novedades la podéis encontrar [aquí]
Katekyō Hitman Reborn! Publicado en Japón por Shueisha (y en España por Planeta DeAgostini). Actualmente tomo 14 en España y 23 en Japón. Género: Humor, acción, tipo Shonen Jump
¿Qué haríamos si un día llegara un bebé a nuestra casa y, pistola en mano, nos dijera que va a ser nuestro profesor partícular... para ser un buen 10º capo mafioso de la famiglia Vongola?
Probablemente pondríamos la misma cara que Tsunayoshi Sawada (Tsuna), el protagonista, un chico de instituto cuyas únicas preocupaciones son hablar con la chica que le gusta (Kyoko) sin ponerse nervioso y que no lo llamen inútil en clase.
El bebé, Reborn, reune en torno a Tsuna una serie de agentes leales, algunos de la mafia... otros que piensan que es un divertido juego y alguno dice "muuu" y a ratos se cree alcachofa, todo ello para que el 10º capo tenga una fuerte y poderosa famiglia. También tiene como trabajo dispararle a Tsuna las "balas a muerte", que hacen que intente "a muerte" aquello de lo que uno se arrepiente en el momento de morir.
Sea, un manga lo suficiente absurdo como para que nos haga reír y con dosis de acción clásicas de los mangas de la Shonen Jump (Bobobo, Black Cat, One Piece...) para hacernos disfrutar.
¿La pega? Llegado un punto va dejando el humor para darle más importancia a la acción, que no está mal en sí misma; pero empiezan las contradicciones y los "superpetes". Añádase a esto que aún no tiene fin (con lo que puede eso conllevar). Además entre los protagonistas que luchan solo hay 2 chicas... ehm... sí, es una pega ver tanto chico...
El asesino a sueldo Reborn, un "arcobaleno"
PD: Sí, soy nuevo. Me llamo JumaX9 y voy a ser el encargado de controlar a los disidentes escribir bonitas entradas para vuestro deleite personal. (Hala, que presentación más sosa...)
Argumento: Continuación del Tales of Symphonia (ToS1), en el que Lloyd, Collete y compañía emprendian un viaje en busca de la regeneración de Sylvarant, y terminaban encontrando una situación algo distinta a la que se creian que se encontraba el mundo. En esta segunda parte, dos años han pasado desde el final del primer juego, y los protagonistas están viajando por todo el mundo reuniendo todas las Expheres que quedan en libertad para evitar su mal uso.
Lloyd Irving
Mientras tanto, en la región de Sylvarant, se ha formado una resistencia, la Vanguardia, que se opone a la Iglesia de Martel y a las gentes de Te'thealla. La situación empieza a agravarse cuando Lloyd ataca Palmacosta, alegando presencia de la Vanguardia, y provoca una matanza indiscriminada en la que mueren los padres de Emil Castagnier, protagonista de este juego. Emil ha de viajar a la reconstruida Luin, dónde comienza a vivir con sus tios.
Pocos meses después, el desecado del lago, la aparición de monstruos, la llegada de Richter Abend buscando a una chica y la posterior aparición de esta chica, llamada Marta Lualdi, en la zona, precipitan la partida de Emil de Luin, quien sale de viaje junto a Marta.
Emil Castagnier y Marta Lualdi
Marta lleva el núcleo de Ratatosk, summon spirit que mantiene cerrado Nilfheim (el abismo) y evita la entrada de los demonios en el mundo. La Vanguardia busca a Marta, tras haber huido con dicho núcleo, y junto a Emil, recién nombrado caballero de Ratatosk, buscarán a los guardianes para poder devolver su poder a Ratatosk.
Richter Abend
Crítica: Poseé unos gráficos muy mejorados respecto al ToS1 y unos movimientos mucho más fluidos en diálogos, movimiento por ciudades/mazmorras y combates. Siendo estos últimos mucho más rápidos. La banda sonora conserva la mayor parte de las melodias originales, y los escenarios son exactamente igual que siempre.
Sistema de batalla
El primer gran cambio que vemos es el renovado mapa del mundo, por el que ahora no existirán encuentros ni te podrás desplazar por el: es un menú en el que seleccionas el lugar a viajar. Junto a esto, encontramos un nuevo sistema de adquisición de monstruos, que al realizar pactos con Emil y los guardianes, se unirán a tu grupo. Por suerte, estos pactos no se forjan a través de pokéballs, aunque no podemos evitar la comparación, pues existen unos 250 monstruos distintos...
Regresa Collete tan torpe como siempre
Los personajes del anterior juego irán apareciendo a lo largo del transcurso de la historia, uniendose al grupo. Sin embargo, estos no pueden ni subir niveles ni aprender nuevas habilidades. Esto deja a que los unicos personajes equipables y entrenables son Emil y Marta, y sus compañeros monstruos. Esta es la mayor pega del juego, pues con solo dos personajes, no puedes hacer tu grupo al gusto.
Emil haciendo su técnica especial
Los combates son al estilo de siempre, aunque ahora se pueden realizar los ataques al unísono más regularmente y son más débiles. Sin embargo, el sistema de cocina ha cambiado sustancialmente, no sirviendo ahora para recuperarte un poco al final del combate: sirve para mejorar estadisticas a los monstruos.
Marta haciendo su especial
El juego además resulta bastante lineal, y no dispone de las clásicas invocaciones de la saga, ni de las "rune bottles", objeto clásico en los tales. Como punto a favor, posee tres finales distintos, y unos giros argumentales bastante sorprendentes. Aún así, es mucho más corto que el ToS1, alcanzando apenas las 30 horas de juego por partida completa y teniendo muy pocas sidequests.
El juego está completamente doblado en inglés en la version USA y japonés en la versión orginal, aunque desgraciadamente, no se puede seleccionar idioma de voces. Como nota adicional, la voz de Marta se la pone Kugimiya Rie, seiyuu famosa pues pone voz a Shana (Shakugan no Shana), Alphonse Elric (FullMetal Alchemist) o Aisaka Taiga (Toradora!). El opening es Ninin Sankyaku, cantado por Misono.
Valoración:7.5/10
Buen juego, con buen argumento, pero lamentablemente no llega a la altura de otros Tales. Aunque no se hace muy corto, se echan en falta posibilidades de subir niveles a otros personajes, y el sistema de monstruos no es bueno tanto para formar pactos como para entrenarlos.
En definitiva, si jugasteis al ToS1, deberéis jugar a este. Si no lo jugasteis, no os molestéis en comprarlo, y buscaros el anterior ToS o esperad al que se avecina a final de año también para Wii.
Ikiru es una película dirigida por Akira Kurosawa en 1952 y como casi todas las obras de este director es una maravilla.
Kanji Watanabe (Takashi Shimura) es un funcionario gris que realiza su trabajo de la manera más rutinaria y mecánica posible. Su vida personal no pinta mucho mejor, ya que su hijo y su nuera sólo están con él por el dinero. Sin embargo todo esto cambia cuando se entera de que padece un cáncer terminal. Esto da un vuelco a su vida que hará que se replantee cómo llevar los días que le quedan.
Posiblemente la imagen más representativa del filme.
Una película que tira mucho hacia lo costumbrista y lo emotivo, con no pocas reflexiones acerca de aprovechar la vida y enfrentarse a la muerte. La estupenda dirección de Kurosawa se une a una muy buena interpretación de Shimura, redondeando una obra que si acaso peca de un nudo lento y excesiva longitud (143 minutos) pero que compensa llegar hasta ahí con un tramo final magnífico.
Totalmente recomendada siempre que uno quiera una obra tranquila y profunda (adjetivo que se usa con mucha ligereza pero creo que en este caso está bien utilizado).
Elegía Roja es una obra de Seiichi Hayashi de principio de los 70, recientemente editada por Ponent Mon para España.
En ella se nos narra la historia de una pareja joven que viven juntos pero sin estar realmente comprometidos, ni entre ellos, ni con el trabajo ni con nada, con la lucha entre lo que quieren hacer y lo que deben hacer. Un manga del todo costumbrista pero expresado de manera bastante simbolista y a través de numerosas elipsis, más o menos inconexas, una serie de momentos puntuales sin dejar claro cuánto tiempo transcurre, sin un nudo ni un desenlace claro.
La portada, sobria como ella misma.
Esta forma de narrar es posiblemente lo más interesante de Elegía Roja. Con unos planos y cadencias más propios del cine, se logra esa laxitud en la trama, ese ligero ambiente a documental.Con planos cerrados, simbolismo, el dibujo esperpéntico y el abuso del negro se logra el ambiente opresivo y deprimente de la obra.
Un cómic de lo más particular que quizás sea de difícil digestión si uno busca entretenerse o incluso una historia de cierta profundidad, pero que no deja de ser interesante por sus recursos narrativos y expresivos.
Esta semana tenemos el honor de acoger a Ikzer dentro del invitado estrella de Otaku Bloggers. Hoy nos hablará de un tema muy de actualidad: Las traducciones en España.
¿Realmente nos lo merecemos?
Últimamente no tengo mucho tiempo para ver anime, por lo que lo he dejado bastante abandonado. Sin embargo, me estoy dedicando a leer bastante manga, tanto en papel como a través de scans. Y tras unas cuantas semanas pensándolo, tras leer algunas opiniones (como la de Jeparla) y, recientemente, tras leer Lost+Brain de Ivrea y el 3 de Fairy Tail de Norma. Siempre intento analizarlo todo y no despreciar el trabajo de otra gente, pero hay casos en los que no puedo.
No comprendo cómo una editorial permite que salgan a la venta despropósitos así, y me hace plantearme el respeto que tienen por sus clientes, nosotros, los aficionados. Todos sabemos que aquí pagamos un sobreprecio importante en las ediciones de manga, pero que en gran medida tiene su justificación en que nuestras ediciones son de lujo en comparación de las japonesas. Pero gran parte de ese precio no está en la presentación, sino en el contenido. Y cuando ese contenido no tiene unos mínimos de calidad, me siento estafado. Porque de nada sirve tener un libro de oro si el escritor no sabe escribir. Y es algo que, por desgracia, nos hemos acostumbrado a tragar, a seguir pagando precios altos, por productos que parecen hechos por cumplir, porque tienen que salir y ya.
Como excusa podrán decir que los traductores tienen varias series simultáneas y se les pueden escapar cosas. Bien, lo acepto, cualquiera cargado de trabajo acaba haciendo chapuzas. Pero entonces, ¿cómo llega eso a la imprenta? Yo estuve durante muchos años en un fansub, tanto de anime como de manga. Somos aficionados, gastamos nuestro tiempo libre en hacer ediciones de cosas que aquí posiblemente no veamos editadas oficialmente en la vida. Y sin embargo, quedan mejor que muchas de las ediciones en papel que se hacen. No mejor que todas, que conste, desde luego que también hay muy buenas ediciones en España. En el caso del manga, el sistema habitual para hacer un lanzamiento es simple: se traduce, se corrige la traducción, y se rotula. La edición en papel tiene unos cuantos pasos más, lógicamente, pero por lógica esos tres pasos tienen que estar por ahí. Y me resulta increíble, la verdad no entiendo en absoluto, cómo el segundo de estos no existe, o al menos parece no existir. Si corregir un texto, que en el caso del manga son pocas páginas no es más que analizar ortografía y gramática con un poco de sentido común, ¿cómo es que nadie hace eso antes de imprimir? ¿Nadie se da cuenta de que algunas frases no tienen sentido? ¿Nadie se lee el trabajo antes de darle el último toque? No me lo creo. Debo dejar claro que en ningún momento pretendo insinuar que todas las ediciones de aficionados son buenas, de hecho es lógico que sólo una pequeña parte de ellas lo son, pero sólo por esa pequeña parte ya vale la pena ponerse a pensar en ello. Como decían en un artículo en Ramen Para Dos, si puedo acceder a algo de calidad superior y precio inferior, o gratis, ¿porqué he de pagar más sólo porque sea oficial? Simple ley del mercado.
Y lo peor de todo, no podemos hacer nada al respecto. Lo cual me parece una vergüenza, pero sobre todo una pena. Una vergüenza porque lo siento como un abuso y una falta de respeto hacia su público, hacia sus clientes, que son “los que le dan de comer”. Y encima, nosotros estamos en una posición complicada, porque aunque habitualmente la solución más simple es dejar de comprarles hasta que hagan las cosas bien, en este caso si hacemos eso, dejan de traerlas, por lo que el resultado es peor. Tenemos que tragar con lo que sea porque es lo que hay. Y una pena porque una mala traducción hace que una obra pierda completamente el sentido. Y realmente, más que mala traducción (porque en la práctica eso no sé apreciarlo) es una mala adaptación. Los mayores errores que he visto, tienen más que ver con la forma de expresarse que con el contenido de las frases. Por ejemplo, en el cómic viene: “Alguien como usted, el jefe de la División de Investigaciones, ¿porqué viene a una consultoría hipnótica”, lo cual es muy poco natural, y a una primera lectura se puede arreglar sin dificultad, simplemente cambiando un poco el orden: “¿Porqué viene a una consultoría hipnótica alguien como usted, el jefe de la División de Investigaciones?” o tomándonos cierta libertad: “¿Porqué viene a una consultoría hipnótica alguien de su nivel, el jefe de la División de Investigaciones?”. Para eso el castellano es una lengua tan rica. Y se pierde gran parte de la calidad en este aspecto. Se hace pesado, al mismo tiempo que lees una historia interesante y compleja, tener que estar interpretando cada frase hasta darle un sentido natural, por lo que finalmente no has disfrutado del todo su lectura. Y esto suponiendo que no se haya cambiado el sentido al texto, pero eso ya es cosa de la traducción en sí y pocas veces nos daremos cuenta.
Realmente de esto se podría hablar mucho más, pero como conclusión sólo llego a una: no hay solución. Y, por triste que sea, es lo único a lo que llego. Mientras no exista un cierto nivel de exigencia entre nosotros mismos, esto es, mientras sigamos tragando sin más, esto seguirá ocurriendo, y no puede ser. Hay que hacerse notar, hay que hacerse escuchar, y hay que exigir ciertos niveles de calidad cuando estamos pagando un precio considerable por algo que, sin mucha dificultad, puede estar mucho mejor. Y digo sin mucha dificultad porque en el mismo mercado, con un precio similar o incluso más bajo, existen ediciones de mucha mejor calidad, tanto en presentación como en contenido, demostrando que es posible y sólo hace falta un poco más de profesionalidad.
Este cómic está muy alejado de dicha temática, situándonos en la época victoriana de algún país sin concretar de Europa (se hace alguna mención a la I Guerra Mundial). Se compone de varias historias cortas acerca del destino de un grupo de huérfanas que son acogidas por el cabeza de la familia Bradherley con la supuesta intención de que formen parte de una compañía de teatro de renombre, lo cual supone para dichas huérfanas una manera de ascender socialmente. Evitando los spoilers, baste decir que lo que en principio pueda parecer una historia rosa de época pronto se convierte en un cómic de lo más sórdido y deprimente.
Este incidente se narra de forma peculiar, mostrando más bien el modo en el que afecta a diversas personas, más que desarrollándolo en sí mismo de manera que varios detalles quedan sin esclarecer.
El dibujo de Samura es agradecidamente detallado, y aunque reconoce no haberse documentado mucho, los fondos, escenarios y ropajes ambientan de forma notable dejando muy claras las diferencias entre los aústeros orfanatos y los lujosos teatros, por ejemplo.
Un manga por tanto que sí, posiblemente deje con mal cuerpo al lector, pero sus magníficos personajes y estupendas historias unido a un más que correcto dibujo lo hacen de lo más recomendable.
Aunque supongo que la inmensa mayoría ya habrá leído o le sonará al menos este manga, después de leerlo (prestado por Will, muchas gracias) creo que se merece una crítica.
Azumanga Daioh se compone de una serie de tiras que tratan el día a día de unas chicas, estudiantes de instituto en lo que sería algo completamente costumbrista de no ser por sus peculiares personajes.
Y es que con unos pocos rasgos Kiyohiko Azuma crea una docena (no más) de personajes bien definidos e hilarantes que son la base del humor de la serie. Y es que a pesar de que el día a día de las protagonistas es de lo más normal (estudios y quedar para salir) los comentarios y la actitud de las mismas en más de una ocasión son tronchantes.
Un humor que se basa además en varios chistes recurrentes que son manejados con bastante elegancia para darles siempre una vuelta de tuerca que haga que nos riamos de nuevo con situaciones ya vividas.
Gato Gatito, un peluche que aparece varias veces en la serie
y con el que se hacen no pocas bromas.
De hecho la serie termina posiblemente en su momento justo, cuando aún echaremos de menos más desventuras de las protagonistas, pero antes de que se vuelva cansina y repetitiva.
Una obra recomendable para pasar el rato, difícil de olvidar y a cuyas protagonistas se les coge mucho cariño, así que si tienen la oportunidad, disfruten de los problemas de Sakaki con los gatos, la inocencia de Chiyo o el empanamiento de Osaka.
Algunos recordaran la advertancia publicada en el blog sobre que durante la época de exámenes el número de entradas disminuiría drásticamente. Aunque paradójicamente se han llegado a triplicar porque Will se aburría mucho, yo personalmente he estado mas callado que de costumbre, y he pensado celebrar el término de mis examenes con una mis críticas preferentes: RPGs de Super Nintendo.
Mi sexto RPG favorito de SNES es el tercero de una muy entretenida trilogía desarrollada por Quintet y publicada bajo el sello de Enix. Es la trilogía compuesta por los juegos Soul Blazer (1992), Illusion of Gaia (1994) y por fin, Terranigma (1995).
Estos tres juegos no estan conectados por su historia (o quizás si, de alguna manera retorcida), sino por su temática, mecánica de juego y cierta simbología y filosofía que persiste entre ellos. Los tres juegos son recomendables a su modo, pero Terranigma se lleva el gran premio, este si que merece la pena.
En el comienzo de Soul Blazer, Gaia habla con el protagonista: "Que nombre mas interesante. Vale, ahora marcha y salva el mundo". Como veis, Soul Blazer es un juego que no cuenta con más argumento del estrictamente necesario: solo hay que explorar el mundo, descubrir sus secretos, y matar a todo lo que se mueva, y a veces hasta a lo que no se mueve. Aún así, es un juego de acción que requiere ser más avispado de lo que uno pensaría, y creo recordar que encerraba un par de moralejas o algo semejante. Si no te asustan los temas musicales repetitivos y estas dispuesto a dejarte la piel en lugares inhóspitos por el bien de todos los seres vivos, desde pigmeos hasta tulipanes, Soul Blazer es tu juego.
En Illusion of Gaia hay mucho más argumento y personajes, aunque en su mayor parte pobremente desarollado, con un puñado de momentos de marcado epicismo. En esta ocasión, manejas a un chaval huérfano que "Cuando crezca, será un explorador y verá el mundo." Y en efecto, Will, se paseara por la Gran Muralla China, Tenochtitlan y Angkor Wat, golpeando a sus letales enemigos con la flauta heredada de su padre (apuntadlo a la lista de armas estúpidas en RPGs). Por suerte, como es elegido del Gaia Oscuro, Will puede transformarse tanto en un guerrero respetable con su capa y su espada como en una especie de sombra de llamas azules que también partirá la pana.
La saga concluye en Terranigma, un RPG de acción en el que solo controlas a un personaje que recorre las mazmorras corriendo, saltando y ensartando a los monstruos que encuentra a su paso. Terranigma es un gran juego por que es redondo: todos sus elementos guardan relación entre sí: gráficos, argumento, música... incluso el sistema de menús guarda una importante relación con el desarrollo de la trama, pues el menú es una especie de caja de Pandora cuyo cursor es Yomi, un curioso organismo rosa que se convertirá en el único compañero que te seguirá en todas tus andanzas.
Al principio del juego manejas a Ark, un niñato gamberro, rebelde y pretencioso que va por su pueblo rompiendo vasijas y espantando gallinas y que, al contrario de lo que uno pensaría, en lugar de ganar experiencia, es reprochado por ello. No mucho tiempo de juego mas tarde, Ark abrirá una misteriosa caja que desatará un gran mal sobre los habitantes de su pequeña aldea, y tendrá que partir en un viaje en el que caerá en sus manos el destino de sus amigos, y posteriormente el de toda la creación (casi nada).
Durante el viaje, disfrutamos de un juego de acción y puzzle con una estupenda jugabilidad: Ark puede atacar con su lanza de distintas maneras versátiles además de ejecutar otra serie de acciones útiles como saltar, trepar, nadar o arrastrarse. Tiene un argumento que se desarrolla en un ambiente cada vez más serio, oscuro y épico a medida que avanza el juego, con un final inesperado y sentenciante. Los momentos importantes de la trama vienen acompañados de unas secuencias de video de una calidad gráfica asombrosa para la SNES, y la banda sonora que acompaña a todo este complejo esta a la altura de las circunstancias: temas nostálgicos para los momentos tristes, temas mas pegadizo y repetitivos para las mazmorras, y grandes temas para los momentos más épicos y el mapa del mundo.
El mayor problema de este juego es el que ha tenido siempre toda la saga. Sus personajes secundarios, aunque son mejores sin duda por regla general que los de Illusion of Gaia, carecen del carisma y profundidad suficientes. Es una auténtica pena, sobretodo por toda la temática del juego gira en torno a como Ark guía el progreso de la humanidad, y podría haberse mucho más jugo a como el paso de Ark por el mundo lo va transformando. Pero como como Terranigma termina destrozando cualquier concepción maníqueista del argumento, se lo perdonamos, y por eso entra en mi estrictamente subjetivo e inamovible salón de la fama.
He tratado de sacar imágenes que reflejaran la calidad gráfica del juego, pero música, gráficos y simbolismo estan tan integrados en el complejo, que os dejo con el video de la introducción para que los disfruteis.
Mi acercamiento a este cómic estuvo cargado de expectativas. Por un lado supe de él en una reseña de La Cárcel de Papel, llamando rápidamente mi atención. Cuando por fin lo compré, la tendera me dijo que era de las pocas personas que lo había comprado y me comentó lo mucho que le había gustado.
¿Expectativas cumplidas? Bueno, más o menos.
Cinderalla es un cómic de Junko Mizuno que obviamente repasa el clásico de La Cenicienta dotándolo de una perspectiva personalísima, añadiendo zombies, hadas que cobran dinero, príncipes estrellas del rock, erotismo soterrado y un restaurante de yakitoris. El argumento por lo tanto no sorprenderá, pero estas inclusiones le dan un toque simpático y original.
La portada. Sí, lo que sostiene en sus manos es un yakitori.
El punto fuerte no obstante viene del estilo tan peculiar de la autora, una mezcla entre cartoon, el manga más clásico de Tezuka o Leiji Matsumoto, pop, psicodelia y a la vez naive y truculento; se aprecia que anteriormente trabajó de ilustradora. También se aprecia, lamentablemente en la pobre narrativa que presenta, siendo muchas veces confusa.
Se puede decir finalizando, que Cinderalla no es un buen cómic, pero como recopilatorio de estampas esperpénticas no tiene precio.
Sobre la edición de IMHO: Bien por incluir entrevista y extras, mal por algunos errores tipográficos (o si son aposta son sutilísimos, la verdad).
La segunda valoración de hoy es para el shonen Asu no yoichi!, que se estrenó la semana pasada en las televisiones japonesas. Los seguidores acérrimos de shonen no gustarán de la crítica que haré a continuación. Eso si, lo que diga a continuación, guste o no, es completamente verídico. Vamos a ello.
Asu no yoichi!
Género: Shonen, artes marciales, instituto
Estudio: AIC
Cadena: TBS
Argumento: Tras toda su vida en la montaña entrenando, el jóven Karasuma Yoichi baja al gran Tokyo a un dojo poblado exclusivamente por mujeres. Deberá acostumbrarse a su nueva vida y a los peligros que encierra la ciudad.
Crítica: Chico samurai que nunca ha estado en la ciudad, especialista en artes marciales, que va a un dojo solo con chicas y al instituto donde la monta gorda. A su llegada comienzan a aparecer rivales que habrán de luchar contra el. Oh si, estamos en el siglo XXI en la serie.
La serie muestra cierto desdén por las leyes físicas y en su misma cantidad ofrece fanservice. (Una escena de fanservice por cada ruptura de ley física en los dos primeros episodios). Lo mejor de la serie... el protagonista habla japonés al estilo samurai antiguo. Al menos los interesados aprenderán algo raro del idioma...
El anime que voy a tratar hoy es una adaptación de un ero-ge de 1998, que ha comenzado a emitirse esta temporada. Como todos las temporadas de invierno, hay algún anime de género romántico que destaca por encima de los demás (vease por ejemplo, True Tears del 2007 o Nodame Cantabile del 2006). El que parece va a destacar esta temporada es White Album.
White Album
Género: Romance
Estudio: Seven Arcs
Cadena: Grupo UHF
Argumento: Touya Fuji, estudiante universitario, mantiene una relación con una idol cantante llamada Yuki Morikawa que está subiendo al estrellato. Esta historia cuenta las diversas dificultades que se encontrarán en sus caminos, siempre desde un punto de vista muy humano.
Tuya Fuji y Yuki Morikawa en un encuentro del primer episodio
Crítica: Aunque con un argumento bastante genérico, nos encontramos en un anime que refleja con cierto grado de realismo, los problemas que pueden existir en relaciones con personas que se van volviendo famosas poco a poco. Las situaciones, aunque hay algunos momentos en que no son demasiado convincentes, por lo general están bastante conseguidas.
La banda sonora y las voces son excelentes, con canciones cantadas por las propias seiyuus de los personajes cantantes y con un opening de Mizuki Nana y ending de Suara. A Yuki Morikawa, novia del protagonista, la dobla Hirano Aya, y a Ogata Rina, amiga de Yuki, le da voz Mizuki Nana.
Si hay algo que reprocharle es el apartado gráfico, con unos dibujos no muy definidos y bastante faltos de luz, que le dan un toque tenebroso a la serie.
Descubro con sorpresa que finalmente Megatokyo ha comenzado a editarse en España. Megatokyo es un webcómic que comenzó su andadura en el año 2000 y en principio narra la historia de dos estadounidenses, Piro y Largo, que se quedan atrapados en Tokyo tras hacer un viaje para el E3. Los alter ego de los personajes son sus creadores, Fred Gallagher y Rodney Caston, dibujante y guionista respectivamente.
En sus comienzos el cómic es puramente humorístico, con numerosas referencias a los videojuegos y al manga, lo cual lo convirtió rápidamente en uno de los más populares de la red.
Sin embargo a partir del 2002, Rodney decidió abandonar el proyecto y ocurrió el temido efecto del dibujante estrella (¡si gustan los dibujos no necestiamos guionistas!) dejando a Gallagher solo y empobreciéndose sobremanera los guiones, pasando de ser un cómic divertido a una suerte de shojo lento, sin rumbo y notablemente emo.
El dibujo es muy reconocible y peculiar, ya que Gallagher realiza el mismo directamente a lápiz, sin entintar. Esto ha sido alabado y vilipendiado por igual. El estilo es una suerte de amerimanga. Sea como sea, se ha ido volviendo cada vez más complejo, hasta el punto de que la narrativa es en muchas ocasiones confusa.
Portada del número uno mostrando a Largo (izqda.) y Piro (dcha.)
Sobre los personajes, se lleva el gato al agua sin discusiones Largo, un obseso de los ordenadores y las consolas, descerebrado, que no entiende el idioma y ni se molesta en aprenderlo. Incluso en la época de mayor pobreza argumental, su presencia hace que uno se eche unas risas.
¿Merece la pena entonces Megatokyo? Se puede leer gratuitamente por internet (en inglés) y servidor hace tiempo que dejó de hacerlo. No obstante diría que sí merece la pena leerse los primeros tomos, incluso pagando por ellos, que por lo menos echaremos un muy buen rato. Al fin y al cabo siempre podréis dejarlo cuando os canséis. No, tranquilos, es poco probable que con el tiempo se recupere, así que no os perderéis mucho.
Comenzamos las valoraciones de esta temporada de invierno con Minamike ~Okaeri~. El regreso de las tres hermanas más esperadas del año de la mano de los animadores de Okawari. ¿Merecerá la pena su regreso?
Como nota aparte, supongo que habréis notado las pocas actualizaciones que llevo haciendo desde este pasado octubre... podéis culpar a la universidad o a lo que queráis si tenéis alguien a quien culpar de todo, pero me temo, que este ritmo de actualizaciones se tendrá que mantener un tiempo aún... por lo menos hasta el comienzo del segundo cuatrimestre.
Minamike ~Okaeri~
Género: Humor, Vida cotidiana
Estudio: Aslead
Cadena: TV Tokyo
Argumento: La vida de las tres hermanas Minami es el sencillo argumento de esta serie. Como en otras series del género, esto nos lleva a conocer a amigos, compañeros de clase, vecinos y familiares, no muy bien de la cabeza, que nos asegurarán risas varias.
Crítica: Aslead parece haberse puesto las pilas despues de la no tan buena segunda temporada de la serie. Continuidad con el manga, cosa que no tenía Okawari, es el principal plato de esta temporada, así que pronto os aseguro diversiones gracias a Makoto, Fujioka y los vecinos Minami. Por otra parte, la animación y el diseño de personajes ha empeorado un poco respecto a la segunda temporada, lo cual ya se ha reflejado en una primera oleada de quejas en 2chan. La música bastante estandar, aunque mejoran las canciones de la segunda temporada.
Aprovechando el estreno de la película (que jamás debiera haberse hecho al menos de esa manera), hoy hablaremos un poco de The Spirit.
Se trata de una serie de historias cortas publicadas desde mediados de 1940 hasta principios de los 50, más algunos números sueltos que se remontan hasta hoy día, cuyo creador y autor principal fue el ya fallecido Will Eisner. Huelga decir que ésta fue una de las obras que han aupado a Eisner al olimpo del cómic, situándosele casi indiscutiblemente entre los diez autores más importantes de la historia a nivel mundial (sí, en serio, más importante que Tite Kubo).
Cuenta la historia de Denny Colt un criminólogo al que se le da por muerto en una refriega y aprovechando su condición se dedica a combatir el crimen bajo la identidad de The Spirit. A lo largo de sus muchísimas páginas irán apareciendo multitud de aliados y enemigos, muchos recurrentes, creándose una cantidad importante de personajes memorables y entrañables.
Estas aventuras suelen ser contadas con un cariz humorístico, de simple y llana diversión con la inocencia propia de la época, aunque en más de un
a ocasión veremos argumentos más serios como los relacionados con la II Guerra Mundial a la que el personaje de The Spirit no se vería ajeno.
Todo esto es narrado de una forma progresivamente más exquisita, dejando bien claro por qué Eisner es uno de los maestros del medio, añadiendo además elementos novedosos como su famosa costumbre de integrar el título en la primera viñeta de cada historia.
Portada del vol. 16 de Los Archivos de The Spirit.
The Spirit se trata por tanto de una de las obras más importantes del medio, por divertida, innovadora y por su influencia a la que rápidamente se le coge cariño y no puede uno esperar para leer más aventuras de uno de los justicieros con más carisma de la historia.
"He visto puentes a galaxias más alla de Orión. He viajado a las más exuberantes junglas, a los desiertos más áridos y hasta los mismos bordes de la tierra. Todos esos momentos se perderan, por que el ente villanesco de turno pretende destruir el mundo. Otra vez."
El primer juego de SquareSoft que se abre paso en mi subjetivo pero totalmente indiscutible salón de la fama es el Romancing SaGa 3, el sexto y único juego de la serie Romancing Saga que he podido disfrutar. Los anteriores, algunos para Game Boy y otros para SNES, no han sido traducidos del japonés, idioma del que ando flojillo. Los siguientes, los SaGa Frontier, son unos juegos sin sentido ni propósito ninguno, así que la experiencia no puede calificarse de "disfrute".
No se ni por donde empezar a comentar. Es un juego, original, con gran libertad de acción, y sobretodo, épico, muy épico. De entrada, tienes ocho personajes entre los que elegir para protagonista de la historia, desde princesitas en apuros hasta nobles guerreros. Cada uno de ellos tiene una introducción individual en la que se presentan sus propósitos, y a medidad que el juego avance sus querellas personales derivaran en intentos por salvar al planeta de la catastrofe que se avecina.
A la izquierda los personajes masculinos (Julian, Thomas, Mikhail, Harid) y a la izquierda los femeninos (Sara, Ellen, Monica, Katrina)
Esta versatibilidad argumental no acaba aqui ni mucho menos. El factor más atrayente de este juego es su absoluta libertad de movimiento. Tienes absoluta libertad para realizar las misiones que se te proponen, en el orden que tu elijas, a excepción de las que están directamente relacionadas con la trama final. Del mismo modo, eres también libre de elegir hasta cinco valientes que acompañarán a tu personaje principal en sus aventuras, entre un total de 30 personajes, a cada cual mas pintoresco.
A la derecha, un ejemplo de la versatilidad del juego. Has sido contratado para llevar una serie de mercancias de una ciudad a otra, y por el camino te atacan bandidos. Cuando le has zurrado lo suficiente y estan clamando piedad, tienes estas tres opciones. Si les pides dinero, tu contador de avaricia subirá, lo que te impedirá acceder a ciertos eventos en un futuro lejano. Si le pides información, te dirán la localización de su escondrijo, donde podrás reclutar un personaje. Si crees no necesitar ayuda, los pasarás a cuchillo sin piedad, lo que un RPG significa jugosa experiencia...
Aunque en este juego no se gana experiencia como tal, una de las cosas que lo hace tan estupendo. Tiene un sistema por el que tus habilidades mejoran con la práctica, mientras tus parámetros (fuerza, constitución, destreza, inteligencia, carisma, voluntad, velocidad...) se mantienen fijos. Al finalizar un combate no se dará experiencia. Las habilidades que hayas usado en la contienda se incrementarán por un punto si procede (si le da la gana al motor de juego, realmente). La diferencia entre los personajes es su velocidad de aprendizaje. Encontrarás personajes que tienen un talento natural para manejar la espada, pero que tardarán muchísimo en dominar las artes arcanas. También puede ocurrir que personajes aparentemente inútiles, con las habilidades muy bajas, aprendan ciertas técnicas muy deprisa. Este sistema no es novedoso realmente, ya el Final Fantasy 2 lo tenía.
Pero Romancing SaGa 3 incluye una serie de innovaciones interesantes. Por ejemplo, las técnicas se aprenden en mitad del combate, por ciencia infusa. Habra un momento en el que a un personaje se le encederá una bombillita y ¡voilá! Julian aprende "Sweep Down" nueva técnica para el repertorio. Otra cosa novedosa es que distingue entre puntos de salud y puntos de vida. Los de salud son los normales, cuando llegan a cero el personaje cae inconsciente. Una vez en el suelo, perderá un punto de vida cada vez que sea atacado. Cuando un personaje se queda sin puntos de vida, muere. Para siempre. Sin posiblidad de resurreción. Y encima la culpa es tuya.
Aqui una selección de los personajes más estrambóticos: un vampiro pelirrojo, una langosta antropormófica experta en kung fu, un elefante azul, también antropomórfico, un muñeco de nieve parlante y un hada del bosque. Ni un solo humano propiamente dicho, excepto la protagonista, que organiza desde atrás. Porque otra de los modalidades de juego posibles es el "commander mode" en el que el protagonista se queda en la retaguardia dando órdenes al grupo, siendo posibles una serie de técnicas de bajo presupuesto y alta eficacia.
A la izquierda, un mago de fuego y otro de agua crean una columna de agua ardiente. A la derecha, los poderes del viento, del sol y la luna se preparan para convocar unos meteoritos sobre los djinnis. ¡Brutal!
Para ir terminando, comentar la existencia de minijuegos divertidos y relevantes para la trama. Uno es el minjuego de batalla entre ejércitos, en el que accedes en ciertos momento del juego, recordando al público que los cuatro señoritos de los pelos de colores no pueden hacer frente a todos los problemas sobre la faz del planeta ellos solos. El otro es un juego de compra-venta de empresas. Resulta que varios villanos del juego son dueños o están respaldados por compañias de gran poder adquisitivo, por lo que aún habiendo derrotado en combate al aparente líder de la religión maligna, ¡aún queda por desarmar su imperio empresarial para hacer frente a la raíz económica del problema! Si es que no todo se resuelve haciendo volar puntos de daño. Qué alguien me nombre un RPG donde puedas hacer esto.
Os dejo para acabar la introducción del juego en video. Observad como la música y los gráficos se combinan para formar un todo apabullante, apetitoso y épico.
Siendo este un blog de esencia manganime se han comentado lógicamente varias películas animadas procedentes de niponlandia. Por otro lado, la cinematografía proveniente de oriente ha dado verdaderas joyas en imagen real que también merecen ser comentadas.
Llevaba un tiempo pensando en comentar algunas películas y hace unos días vi este póster de Cuentos de Tokyo realizado por Chris Ware.
Así que me decidí por comentar dicho film. Dirigido en 1953 por Yasujiro Ozu narra la historia de una pareja anciana afincada en un pequeño pueblo costero que se desplaza a Tokyo para visitar a sus hijos y de paso conocer la gran ciudad. Sin embargo
se encuentran que éstos están demasiado ocupados para atenderles con sus trabajos y sus propias vidas y los protagonistas se encontrarán abandonados en una ciudad que no conocen. Paradójicamente será su nuera, casada con uno de sus hijos fallecido en la guerra la que se encargue de cuidar a los ancianos y pasar tiempo con ellos, además de enseñarles la ciudad, y de paso recriminar a sus verdaderos hijos su reprochable actitud.
La pareja de ancianos en su llegada a Tokyo.
La película, representativa de Ozu se puede calificar de sobria. A pesar de la emotiva trama los sentimientos apenas se expresan. El ritmo es del todo pausado y de diálogos lentos, predominando el característico plano-tatami de Ozu (situado unos centímetros sobre el suelo).
Obra clave de uno de los directores fundamentales del cine tanto japonés como general, mostrando un problema que sigue vigente hoy día.
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De izquierda a derecha: Al bajo Miyo, batería Ritsu, guitarra Yui y teclado Tsumugi
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![Otakus en Acción [OeA]](https://lh3.googleusercontent.com/blogger_img_proxy/AEn0k_vptKKTvJxLAEhAby2FBxrLt2NPoK4hEV-HtPvDPmBgFlC8K7vazMxdPO8i6DuEkMpLouab3ls__Pm_rRZWhKCQrprnQPja7nKd83AORhNThsGEK7ig4Q=s0-d "Otakus en Acción [OeA]")
