The Spirit

Aprovechando el estreno de la película (que jamás debiera haberse hecho al menos de esa manera), hoy hablaremos un poco de The Spirit.

Se trata de una serie de historias cortas publicadas desde mediados de 1940 hasta principios de los 50, más algunos números sueltos que se remontan hasta hoy día, cuyo creador y autor principal fue el ya fallecido Will Eisner. Huelga decir que ésta fue una de las obras que han aupado a Eisner al olimpo del cómic, situándosele casi indiscutiblemente entre los diez autores más importantes de la historia a nivel mundial (sí, en serio, más importante que Tite Kubo).

Cuenta la historia de Denny Colt un criminólogo al que se le da por muerto en una refriega y aprovechando su condición se dedica a combatir el crimen bajo la identidad de The Spirit. A lo largo de sus muchísimas páginas irán apareciendo multitud de aliados y enemigos, muchos recurrentes, creándose una cantidad importante de personajes memorables y entrañables.

Estas aventuras suelen ser contadas con un cariz humorístico, de simple y llana diversión con la inocencia propia de la época, aunque en más de un

a ocasión veremos argumentos más serios como los relacionados con la II Guerra Mundial a la que el personaje de The Spirit no se vería ajeno.

Todo esto es narrado de una forma progresivamente más exquisita, dejando bien claro por qué Eisner es uno de los maestros del medio, añadiendo además elementos novedosos como su famosa costumbre de integrar el título en la primera viñeta de cada historia.

Portada del vol. 16 de Los Archivos de The Spirit.

The Spirit se trata por tanto de una de las obras más importantes del medio, por divertida, innovadora y por su influencia a la que rápidamente se le coge cariño y no puede uno esperar para leer más aventuras de uno de los justicieros con más carisma de la historia.

Poguri

Hace unas semanas andaba por una de las tiendas de cómics locales donde me encontré con un amigo. Éste me señaló un cómic diciendo que era el tipo de cosas raras que suelo leer (pero con más elegancia).

La cosa rara era Poguri, de Isami Nakagawa. 

La contraportada de Poguri ¿quién podría resistirse al saurópodo de mirada aviesa?

Poguri consiste en una serie de historias cortas, de una página, que narra las peripecias costumbristas de Poguri, un niño más o menos normal en un mundo totalmente sumergido en lo surrealista y esperpéntico. Las extrañas situaciones que vivirá contrastada con la naturalidad con que son narradas nos provocarán desde un levantamiento de cejas inquieto hasta sonoras carcajadas. Historias que, por supuesto no conocen relación alguna entre sí más allá de situarse en el mundo del joven Poguri.

Un detalle que sí resulta bastante original es la inclusión de historias hechas a base de ilustraciones en serie que, pasando las páginas con velocidad, crean un dibujo animado.

Primera página del tomo editado por Glenat. Pincha para ampliar.

El dibujo también se aleja de lo habitual, siendo de un caracter entre infantil y lo pasteloso, según las propias palabras del autor, representan un mundo que idealiza la textura de las pastillas de jabón, una definición muy acertada.

Un humor que se mueve entre el genial absurdo y la tontería grosera acompañado por tanto de este estilo de dibujo inquietantemente infantiloide son las bazas que deberían llevarnos a, por lo menos, echarle un vistazo al cómic, que no pretende mucho más allá de divertirnos, aunque sí consigue no sea una obra que se olvide fácilmente.

Forget Me Not

Vengo para hablaros de el manga de serie abierta (de momento solo hay un tomo pero el autor ha de continuarlo) llamado Forget-me-not. Su autor es Kenji Tsuruta y llega a españa de la mano de Glenat.

El tomo consta de casi unas 250 paginas en las que se nos narra la historia en clave de humor de Mariel Imari, una detective japonesa algo holgazana y afincada en Venecia, que para poder conseguir cobrar la herencia que su abuelo le dejó ha de resolver el misterioso robo de un cuadro familiar arebatado hace ya muchos años por el ladrón Vecchio. A su servicio Mariel tiene a Cornelius, el mayordomo y albacea de su abuelo, que se ocupará de ayudar en lo que pueda a la detective.

En el tomo se suceden una serie de historias cortas que nos darán mas información sobre Vecchio y la propia Mariel, aderezado con unos personajes secundarios suficientemente interesantes pero que no le roban protagonismo.

Hay que decir que el dibujo de este manga es bastante admirable. Kenji Tsuruta no utiliza lineas de valoracion para resaltar a los personajes, sino que da a todo un tono mas uniforme, logrando una integración de los personajes con los escenarios muy buena. Además el entintado es equilibrado y ligero y las paginas a color (dibujos de acuarela y gouaches) son una verdadera preciosidad.

Sin emargo, hay que decir en su contra que a veces la narrativa de Tsuruta peca de confusa y hay ciertas actitudes en el personaje protagonista que resultan incomprensibles.  Además hay que tener en cuenta que la historia no tiene una conclusión en este tomo, y que fue publicado en Japón en 2003 y hasta la fecha su autor no ha sacado una continuación.

En definitiva, la relación calidad precio es buena, pues el dibujo es muy atractivo y la historia es divertida, pero el hecho de que su continuacion aun no haya sido publicada nos hace pensar que nos quedaremos un poco frustrados al acabar el tomo y que ademas probablemente pasen unos años hasta que nos llegue traducido el segundo.

Yaiba

Antes de escribir su obra de mayor calado y extensión, la archiconocida Meitantei Conan, Gosho Aoyama, comenzó a hacerse un nombre, incluso más allá de las fronteras niponas con Yaiba.

Para el que no viese su versión animada años ha, Yaiba trata de... bueno, de... de un joven criado ajeno a la civilización, aficionado a la lucha, monesco, con un viejo maestro salido y que emprende la búsqueda de siete bolas, siendo una de ellas la Esfera del Dios Dragón. Sí, en serio. Aoyama admitió en su momento que tomaba muchísimos elementos de Bola de Dragón, lo cual tampoco es tan grave, con la de clones que pululan hoy día.

                                   Yaiba junto a Sayaka en la portada del primer volumen.

Sea como sea, después de que Takeshi, el reciente rival de Yaiba, sea poseído por un demonio maligno y volverse poderosísimo, a Yaiba no le queda otra que emprender un viaje en busca de las mencionadas esferas que deberían ponerle a la altura de entablar un combate.

El tono general del manga es humorístico y desenfadado, con algunas excepciones puntuales de momentos más tensos, y los abundantes combates distan mucho del realismo y a veces de coherencia. Los propios enemigos, demonios a los que Takeshi va liberando son en general paródicos (y a modo de curiosidad, a veces reencarnaciones de famosos guerreros de la historia japonesa), destacando el entrañabilísimo Hombre-Araña.

El dibujo es distendido y caricaturesco, alejado del Aoyama más maduro y pausado de la actualidad. Los diseños de los personajes son alabables, casi todos bastante grotescos y muy simpáticos.

Lamentablemente, los parecidos con Bola de Dragón van más allá del argumento. Si el inicio es como ya se ha comentado, poco serio y muy divertido, a medida que avanza la historia se le da un cariz más agrio y pretendidamente trascendente sin conseguirlo, y se repiten combates alargados hasta la extenuación en el que cada combatiente empieza a transformarse para volverse más fuerte.

Unos tomos finales que ignorados, nos dejan por lo tanto una obra bastante disfrutable sin pretensiones, para echar un gran rato riéndonos.

Mazinger Z llega hoy a los quioscos

La conocidísima obra de Go Nagai, uno de los primeros animes que calaron por aquí, saldrá por fin editada en tierras españolas via RBA Ediciones.

Constará de 10 tomos, los cinco primeros consistentes en una nueva versión editada en 1998 del propio Go Nagai, y otra de 1972, hecha por Gosaku Ota.

Fuentes: La Cárcel de Papel.

Ai-Ren

Hacía tiempo que un cómic no me sorprendía tan gratamente como lo ha hecho Ai-Ren, cómic que, además, empecé a leer por casualidad.

En algún futuro indeterminado, el protagonista, Ikuru, sufrió un accidente, del cual pudo recuperarse, pero que le dejó como secuela un cuerpo condenado a degenerarse y morir en pocos años. Cuando se encuentra en fase terminal, solicita que le otorguen una Ai-Ren, un organismo artificialmente creado con el fin de consolar y cuidar de que los últimos días de una persona resulten más llevaderos y que, además, también tienen una corta esperanza de vida.

             La adorable Ai en la portada del número uno.

Y aunque como en otras historias de temática parecida surja el amor, Ai-Ren tiene una serie de puntos particulares que lo hacen de lo más atractivo. El primero es el contexto, dicho futuro resulta ser de lo más desolador, lleno de conflictos armados, epidemias y una natalidad reducidísma. Ésto es aún más relevante al ser un cómic de temática costumbrista, en el que la tranquila vida diaria de la pareja contrastará con los horripilantes acontecimientos de los que vamos sabiendo a lo largo de la obra. Igualmente, aunque abundan los momentos felices, hermosos, e incluso ligeramente cursis, suelen ser sesgados de golpe por escenas más bien duras, en la que la muerte de los protagonistas acecha en forma de secuelas de la enfermedad, o bien en forma de depresivos devaneos; o en la que los conflictos se hacen patentes, sintiéndose cada vez más cerca del pequeño paraiso que es la casa de Ikuru. De hecho, aunque haya mencionado que existen momentos bucólicos/cursis, son tratados con bastante naturalidad y de manera muy simpática, de manera que se evita caer en lo empalagoso. Hablando de naturalidad, es agradable comprobar como el sexo y el desnudo también aparecen de forma espontánea y realista (dentro de la particular idiosincrasia de la serie), sin ser un mero fan-service, sino más bien un canto a sentirse vivo y a amar al prójimo.

Porque lo mejor de Ai-Ren a mi parecer es el hermoso mensaje vitalista y de lucha, incluso ante la mayor adversidad. Un optimismo y alegría como forma de actitud ante un mundo completamente desolado. Sin falsas esperanzas, pero intentando disfrutar el máximo posible.

Añádanse finalmente, unas leves pinceladas de ciencia-ficción como fondo y sin tratar mucho, pero que dan algo de solidez al mundo, que, para terminar de rellenar dicho andamiaje cuenta con un dibujo detallado pero sin llegar a ser sobrecargado con una mención especial a los bellos paisajes, algunos bastante alienígenas que se nos muestran y que ellos sólo justificarían la lectura de este manga.

Manga que, es obvio, queda absolutamente recomendadísmo y que ojalá sea editado por estas tierras. Mientras tanto existen algunas versiones traducidas flotando por el cyber-espacio.

Como únicas pegas sólo pondría las pequeñas lagunas en la trama, no del todo claras y de narrativa algo confusa a veces. Ligeros detalles que apenas empañan una obra que globalmente es magnífica.

Hellboy

Aprovechando el estreno de la segunda adaptación a la gran pantalla, voy a hablar, no, de la película no, lo siento, del cómic que le dio origen.

Mike Mignola comenzó su carrera como dibujante para las dos grandes empresas del mercado estadounidense, Marvel y DC. Sería en ésta donde empezaría a adquirir fama, y se encargaría del arte de dos obras de cierta relevancia, Cosmic Oddisey y Gotham by Gaslight. En ambas, su dibujo barroquista y preciosista nos dejó algunas imágenes casi inolvidables. Continuaría haciendo trabajos para dichas compañías, hasta que en 1993, ya para Dark Horse, crearía a Hellboy. En principio ayudado por John Byrne, ya que Mignola carecía de experiencia como guionista, pronto tomaría él las completas riendas de la serie, aunque en muchas ocasiones artistas y guionistas invitados trabajan con el personaje.

La historia del personaje comienza cuando un grupo de nazis ocultistas invocan lo que piensan, será un arma que les ayudará a ganar la guerra. En lugar de ello, y tras una explosión, aparece un extraño bebé rojizo que es rescatado por los estadounidenses y adoptado por el profesor Trevor Bruttenholm, que junto a Hellboy y otros personajes formará una división de investigación de lo paranormal. Así pues las historias transcurren entre la investigación de estos fenómenos, y una trama principal en la que se averiguan cosas sobre el misterioso origen de Hellboy.

Salvo cuando se trata esta trama, el tono general de la serie es de acción ligera, con escenas humorísticas y con una temática que se inspira fuertemente en Lovecraft, mitología, folklore, horror de serie B, y toda suerte de historias misterioras y terroríficas. Una lectura recomendable para pasar un rato divertido sin más pretensiones.
Sin embargo, para servidor, el punto fuerte del cómic es su espectacular dibujo. Como ya se ha mencionado, Mignola no es un consolidado guionista, pero sí un dibujante excepcional, de estilo marcadísmo y reconocible. Manejo magistral de las sombras, diseños de personajes caricaturescos y muy conseguidos, y sobre todo, unos fondos detalladísimos, donde Mignola se recrea y nos deleita con la mejor imaginería de catedrales y templos, frondosos bosques y recargadas ciudades.

Una obra donde el argumento quizás no nos absorba demasiado, pero que distará de dejarnos mal sabor de boca y donde el preciosista dibujo sí será el factor que igual nos haga releer el cómic varias veces para apreciar esos estupendos detalles.

Shogakukan y Shueisha van a publicar directamente en Europa

Vía La Cárcel de Papel, hemos sabido que dichas editoriales van a editar directamente en Europa, comenzando por Francia, para extenderse a continuación por España, Gran Bretaña y el resto de países.

Ambas editoriales, que a su vez pertenecen al grupo Hitotsubashi, planean aunar esfuerzos para llevar a cabo esta operación, como en el precedente caso de Viz Media en EEUU. La situación es interesante, puesto que algunos de los cómics insignia de las editoriales, como Naruto, Death Note o Inuyasha ya son editados en España (y otros países) via editoriales locales, y por supuesto, existen contratos que les permiten seguir editando, aunque esto puede suponer una pequeña revolución en el mundo del cómic en el continente.

Habrá que esperar a ver cómo se desarrolla la noticia y ver cómo puede afectar eso al mercado y a las editoriales.

El Caminante

Jiro Taniguchi nos tiene acostumbrados a ser un autor de ritmo pausado, dibujo detalladísimo e historias costumbristas. Casi con total seguridad, el auge de todas estas cualidades se encuentra en El Caminante, una de las obras más particulares que servidor ha podido leer.

Como bien indica su título, El Caminante va de un señor que se dedica a dar paseos. Nada más y nada menos. A través de historias, casi siempre mudas, Taniguchi nos presenta a un adulto arquetípico cuyo hobbie es dar largas y tranquilas caminatas. De vez en cuando pequeñas anécdotas saldrán a su paso, pero el grueso del cómic son esas caminatas y el paisaje que el protagonista visita.

Una obra abrumadoramente tranquila, relajada, para disfrutar con calma, que podría leerse en apenas cinco minutos, o dedicar mucho más tiempo a contemplar los soberbios dibujos, especialmente detallados, de la misma forma que un paseante relajado se sentaría a contemplar lo que le rodea.

El protagonista descansando un momento en un árbol (pinchar para ampliar)


En definitiva, una lectura de lo más peculiar, que quizás se quede más en curiosidad que en algo apasionante, aunque si tienen la oportunidad de leerlo, no la desaprovechen.

Usagi Yojimbo en Amstrad

Ayer, mientras perdía el tiempo delante del ordenador como tengo por costumbre, encontré una imagen pequeña, de poca resolución, de un juego que parecía ser de ¡Usagi Yojimbo! Hace poco que he empezado a leerme los cómics creados por Stan Sakai, y no estoy muy puesto, y me sorprendió gratamente descubrir que se trataba de un juego de Amstrad (una de las muchas abuelitas de los ordenadores). Así que me puse a investigar, a bajar emuladores por doquier, a intentar que funcionase, y esta mañana por fin... ¡he conseguido jugar!

¿A que es adorable?

El juego data de 1988, cuatro años después de nacer el cómic, por lo poco que he jugado se ve un juego bastante cuidado en lo que respecta la ambientación y el estilo del cómic, aunque sus gráficos estén obsoletos para lo que se estila hoy día (hoy día es un termino que abarca de VGA palante) ha conseguido entusiasmarme, y sentir que de verdad estaba en el Japón feudal manejando a Usagi Miyamoto. La música esta simpática, aunque supongo que pasará como solía ocurrir con esos juegos, que acabaras por aborrecerla de tanto repetirse, pero podía ser MUCHO peor. Los controles están muy logrados y son bastante complejos... aún no he aprendido a envainar... y la animación es bastante fluida. En general un juego para nostálgicos del armatoste ese, y para seguidores del cómic, que creo que lo encontrarán bastante agradable :3

La imagen del diskette la descargué desde la página http://www.cpcgamereviews.com/index.html. En esa web podéis encontrar las versiones de Amstrad de juegos como: el Prince of Persia, los Lemmings , el Indiana Jones Fate of Atlantis (¡sorpresa!), La abadía del Crimen, y bastantes más.

El emulador de Amstrad que estoy usando es el CPC-EMU, que podéis encontrar en la pagina del proyecto, aquí.

NOTA: (El manejo del Amstrad no es muy complejo, pero bastante desconocido hoy día, para ejecutar los juegos en el emulador pulsad F3 para cargar la imagen del disco, después escribid en la consola cat, y os mostrará el contenido del disco que acabáis de cargar; y para ejecutarlo escribid run"{nombre_del_archivo}, y ya esta, si tenéis problemas la configuración del emulador se accede a él pulsando F7, yo tuve que toquetear por que me iban endiabladamente rápidos los juegos).

Un comic en 12 horas

Para todos aquellos que lo deseen, la Facultad de Bellas Artes de Sevilla y en concreto, los coordinadores del taller de comic, organizan un encuentro para el día 13 de junio en la propia facultad.

El obejetivo del evento es dar rienda suelta a nuestra imaginacion y superar el reto propuesto: realizar un comic completo de 12 paginas en solo 12 horas. La iniciativa surgió a raiz de la idea dada por el famoso teórico del comic Scott McCloud, del que un día de estos os habrlaré con detenimiento. El reto original de Scott McCloud era realizar un comic de 24 paginas en 24 horas sin preparación previa ni guión. Es una gran terapia contra los bloqueos creativos y para mejorar en la constancia, rendimiento y el metodo de trabajo (¡Muy importante si quieres ser diujante profesional de comics!). Durante ese tiempo puedes por supuesto parar para comer, echar una siestecita y jugar al pingpong si te da la gana, pero el tiempo seguirá corriendo y tendrás menos margen para terminar.

Como tener la facultad abierta durante 24 horas ha sido una imposibilidad burocrática, el taller de comic ha adaptado el reto para ser realizado el 12 horas. El reto dará comienzo el día Viernes 13 a las 9 de la mañana (se recomienda llegar a la facultad un rato antes para preprar los utensilios de dibujo y demás) y finalizará a las 9 de ese mismo día. Se recomienda evidentemente traer algo de comer y beber, ya sea para ti solo o para compratir (se agradecen los paquetes de patatas y doritos) tus propios utensilios de dibujo y tanto papel como creas que vayas a necesitar, aunque habra disponibles folios por si acaso. El reto tendrá lugar en el aula de cultura en principio, la cual se encuentra en en el segundo sótano de la facultad. Si alguien quiere asistir y no sabe llegar hasta el aula, me ofrezco a esperar en la puerta de la facultad a las 8:40. Para facil reconocimiento llevaré una gran carpeta roja y mochila y camista negras.

Esto no es ningun conurso. El unico premio es la satisfacción de ver un trabajo terminado, de saber que eres capaz de llevar a cabo un porceso creativo como este y de intercambiar ideas y puntos de vista sobre el propio medio del comic. Aún asi, es una oprtunidad para probarte como narrador y dibujante, ¡No os la perdais!

Pagina web oficial de Scott McCloud y sobre el reto de 24 horas: www.scottmccloud.com/makingcomics
Pagina oficial del reto en Estodos Unidos, donde se organizan quedadas de este estilo periodicamente: http://www.24hourscomics.com

Barrio Lejano será llevada al cine

Según lo leído aquí, aquí y aquí, una de las obras de Jiro Taniguchi, Barrio Lejano será lllevada al cine por una productora belga, trasladando la acción de la misma, al París de los años 70. El director elegido para el proyecto es Sam Garbaski.

Premios varios

Leído en Entrecomics, este fin de semana se han celebrado la 12ª edición de los Premios Tezuka cuyos resultados han sido:

Gran Premio (dotado con dos millones de yenes)

Moyashimon (Tales of Agriculture) de Masayuki Ishikawa

Premio Revelación
Träumerei de Toranosuke Shimada

Premio al manga corto
Gou-Gou Datte Neko De Aru de Yumiko Oshima

Premio Especial
International Institute for Children’s Literature

También se han entregado los premios referentes a la 37ª edición de The Japan Cartoonist Association.

Los premiados en esta ocasión son:

Grandes Premios
- Naoki Urasawa por 20th Century Boys/21st Century Boys
- Hiroko Minami por Hina-chan no Nichijo

Premio a la Excelencia
Seika Nakayama por Alfheim no Kishi

Premios de Reconocimiento Especial
- Haruyuki Nakano por Nazo no Mangaka: Sakai Shichima Den
- Manpu Hashizume por toda su obra

Premio al Gigante Literario
Kuniharu Naruse por toda su obra

Sinfest

Hoy como pequeña novedad me he decantado por comentar un webcomic.
Uno de mis favoritos de dicho medio, por cierto.
La primera tira (click para ampliar).
Sinfest es un cómic creado por Tatsuya Ishida (del cual se sabe poco más allá de lo que él mismo cuenta en sus trabajos), y que es publicado casi a diario en dicha página web.

Sinfest no tiene un argumento definido, siendo más bien expresiones de pensamientos vitales reflejados a través de los personajes, arquetipos todos ellos de diversos aspectos de las personas, o conceptos más abstractos.
Otras tiras son mucho más ligeras, con meros chascarrillos o referencias a la cultura popular.

Así encontramos, por ejemplo a Squigley, un cerdo antropomórfico, representando aspectos como la vagancia, dejadez, hedonismo, pero sin maldad; y también otros sacados del imaginario religioso, como es el mismísimo Buda.


El Diablo, Jesús y Buda echan una carrera (click para ampliar).

El dibujo, por otra parte, aunque caricaturesco es de una calidad innegable especialmente en algunas tiras dominicales, donde el color ayuda a crear escenas de gran belleza.

Debo apostillar, de todas formas, que la tira está en inglés. Otro motivo para aprender el idioma si no lo han hecho ya, y así no perderse esta estupenda tira. Hala.

Neverbeen

Via Entrecomics (a su vez via The Ephemerist), una obra de Stuart Kolakovic que bien poco tiene que ver con Japón, pero a la que merece la pena echarle un vistazo.



Una sorprendente y preciosista forma de hacer cómic.
Neverbeen.

Adolf

Ya tocaba comentar alguna obra de este autor. Como imagino que Osamu Tezuka es de sobras conocido, me ahorraré aquello de “padre del manga” o “el Walt Disney nipón” y pasaré directamente a comentar el manga que nos ocupa.

Adolf es, como cabe suponer, una historia ambientada en la conflictiva Segunda Guerra Mundial. Este explotadísimo, pero rico contexto nos otorga una de las historias más complejas, serias y duras del autor.

Hitler saluda a Adolf Kauffmann, dos de los personajes titulares del manga.

El plantel de personajes de de lo más extenso, personajes que se van cruzando por sus igualmente extensos escenarios y extensa línea temporal. En manos de Tezuka y su prodigiosa calidad narrativa, todos estos elementos transcurren con gran fluidez, absorbiéndonos casi desde el primer instante.

La trama se centra en un secreto que, por casualidad, acaba en manos de un par de niños, llamados Adolf, uno alemán, el otro judío y que atañe al otro Adolf de la historia. Por supuesto un secreto sobre Hitler atraerá la atención de muchos interesados de uno y otro bando, que intentarán por todos los medios apropiarse de las pruebas que revelan dicho secreto.

Este McGuffin sirve al autor para tocar multitud de géneros y temas. Escenas de espionaje, la propia guerra y cómo la gente procura salir adelante en la misma, la durísima represión, el conflicto de los amigos en bandos separados. Sin olvidar un atractivo toque de documental histórico que nos ofrece la perspectiva del pueblo nipón con respecto a la Guerra. Las draconianas leyes, el fervor cuasi-religioso y el ambiente xenófobo. Las miserias de los civiles y aquellos que intentaron luchar contra el fascismo.

Una de las creaciones más recomendables, en definitiva, de Tezuka, lo cual es decir mucho con personajes magníficamente construidos (y los reales muy bien tratados), escenas sobrecogedoras difíciles de olvidar y todo el sabe hacer del maestro a la hora de contar historias.

Adolf ha sido editado en castellano por Planeta, en cinco tomos.

Usagi Yojimbo

Aún distando mucho de ser un manga, creo que por su temática merece ser comentado en este blog.

Un cómic editado por Dark Horse (eeuu), pero cuyo autor, Stan Sakai es de orígen nipón.

La historia cuenta la historia de Miyamoto Usagi, quien después de que su señor sea derrotado y asesinado, y convertido en ronin, decide lanzarse a recorrer el peregrinaje del guerrero. El viaje le llevará por multitud de escenarios, metiéndose en idem ocasiones en lios.



Se trata de un cómic eminentemente de aventuras, acción sobre todo, aunque también hay lugar para intrigas palaciegas, investigación, mitología y terror y saliéndose del género, hay bastante humor, y costumbrismo. Éste es un aspecto maravillosamente bien cuidado, la ambientación, el contexto histórico, y anécdotas del Japón Feudal es reflejado con detalle por el autor, siendo algunos capítulos documentales dedicados a la elaboración de katanas, o el vuelo de las cometas. Además de la obvia documentación, se aprecian influencias y referencias a punta pala: Comenzando por la vida de Miyamoto Musashi (en el que se basa el protagonista), el personaje de Zato Ino, sacado de la serie Zatoichi, o Gennosuke, basado en el protagonista de Yojimbo, película de Kurosawa.

Stan Sakai, cierto es, no es un autor revolucionario, ni siquiera sobresaliente, salvo quizás en la rotulación (da gusto leerle, por tonto que pueda parecer el dato). Pero sí que es tremendamente correcto en casi todos los campos. Sus guiones, son, por lo general, muy disfrutables, con algunos picos de calidad muy elevados. Su dibujo es detallado y claro, aunque no resulte espectacular. Su narrativa no es innovadora, pero sí magistral, sabiendo colocar las secuencias y los planos de manera muy eficaz. Todo esto hace que Usagi Yojimbo sea una serie que lleva más de veinte años bajo el mismo autor y con una calidad constante y alta en todos los aspectos. Y eso es decir mucho.

Finalmente no puedo dejar de mencionar el magnífico elenco de personajes que ha creado Sakai, empezando por un protagonista sí, comedido, recto, hábil, bondadoso, pero también temperamental, inocentón y con tendencia a meterse en las vidas ajenas. Siguendo por su mejor amigo, un cazarrecompensas egoista, pero de buen fondo, a veces alivio cómico, otras protagonista de algunas de las escenas más tiernas de la historia. Terminando, por ejemplo, con Jei, uno de los mejores enemigos que conozco, cruel, despiadado, enloquecido, pero creyéndose portador de la venganza de los dioses, y, por lo tanto, de una retorcida moral.

Dien Bien Phu

Escrito y dibujado por Nishijima Daisuke es un de los mangas más atípicos que he leido.

Por un lado tenemos su estilo de dibujo, cartoonesco, y muy simplificado.
Por el otro, su temática, la Guerra de Vietnam, aunque haya sido profusamente tratada desde el punto de vista de los Estados Unidos, resulta novedoso encontrar un enfoque distinto, aunque no sea del propio país.

La historia gira alrededor de un reportero de guerra, enviado a Vietnam. Allí es el único testigo y superviviente casual del ataque hacia soldados estadounidenses perpetrado por una misteriosa joven. La narración se desarrolla linealmente, pero en forma de anécdotas más o menos deshilachadas, y sin aportar mucha información. Esta es otra peculiaridad del cómic. En ocasiones puede incluso tornarse confuso.

También destacan dos fuertes contrastes. Por un lado se busca casi un rigor histórico, aportándonos bastantes datos y situaciones de la guerra (muchos de ellos poco conocidos en occidente, por la unilateralidad antes mencionada), mientras que al mismo tiempo se nos presenta la caza de una adolescente de habilidades sobrehumanas.

El otro contraste recae sobre las cruentas imágenes frente al estilo de dibujo. Terriblemente mono y con detalles divertidos, es el estilo que se usa para contarnos todo el horror de la guerra y sus consecuencias inmediatas. Niños soldado, miembros del ejército absolutamente desmadrados, cadáveres, amputaciones...

Dien Bien Phu es, en definitiva, un cómic que difícilmente dejará indiferente, aunque dada su narrativa, su argumento disipado y bizarro, es posible que no guste a los lectores más conservadores, pero que, personalmente, opino que merece la pena echarle aunque sea, un vistazo.

20th Century Boys (3ª Parte y final)

No será la única referencia, ni mucho menos, los propios planes de Amigo parecen girar alrededor de muchos mangas y nombres, apodos e incluso personajes hacen alusiones claras, como los mangakas que visten las boinas que caracterizaban a Tekuza.

Este cariño por ambos medios es el otro gran tema del manga. De su poder para influir en la gente, del sueño de convertirse bien en un mangaka, bien en una estrella del rock y de luchar por ese sueño, y cómo ambos pueden ser usados para transmitir un mensaje, especialmente cuando la censura se cierne con fuerza.

A través de Kenji y los demás personajes, Urasawa no deja de citar todo el movimiento del rock en los sesenta y setenta, y de la importancia cultural que tuvo. El mensaje de paz y amor que se transmitían en festivales como Woodstock, y la pérdida de aquellos valores.

En última instancia, esto será lo que prevalezca y lo que unirá a la gente.

Precisamente esta pasión que destila por la música y el cómic hace que sea uno de los cómics favoritos de este que suscribe, y casi sin duda, cualquiera con estas aficiones se verá reflejado en los personajes, y le encantará ver desfilar por sus páginas a Hendrix, Crumb, Joplin o Takahashi.

Quizás sea un defecto que parte de su bondad dependa de este caracter, sin embargo aquellos a quienes todo esto se la traiga al fresco disfrutarán de un magnífico thriller con toques de distopía.

20th Century Boys ha sido terminado de editar recientemente en España en 22 tomos, para quien quiera adquirirlo.

Les dejo con una de las canciones de Kenji, que tomará no poca importancia en la trama.

20th Century Boys (2ª Parte)

Toda esta complejidad en la forma contrasta fuertemente con la simpleza del argumento. Rebosa el maniqueismo de la lucha contra los malos por parte de un grupo de héroes. No es casual. La historia nos muestra, al fin y al cabo, las fantasías de un grupo de niños, y la brutalidad que suponen esas fantasías cuando se llevan al mundo real, dando una distorsión grotesca de las típicas historias de aventuras.

El realismo es, de hecho, otra de las cualidades del manga. A pesar del fuerte tono de ciencia-ficción, y el esperpento, los personajes son, casi todos, personas normales que, hasta que Kenji les recluta, llevaban vidas normales y como tales se comportan cuando se ven envueltos en toda la locura. Personajes con dudas, flaquezas, fallos y remordimientos, lo cual sin duda los convierte en seres entrañables y con los que es fácil empatizar.

Las múltiples líneas temporales no sólo sirven a un fin narrativo. Con ellas se trata la principal temática de la obra, la infancia y los recuerdos de la misma. Anecdóticamente, Urasawa comenta que la idea para 20^th Century Boys le vino a raiz de una reunión de ex-alumnos, en la cual no conseguía recordar a muchos de los presentes, lo cuál le causó una gran turbación. Esto le ocurre continuamente a los personajes, que deben excavar en sus recuerdos, para intentar averiguar las intenciones y la identidad de Amigo. Estos recuerdos muchas veces estarán distorsionados o incompletos y muchas veces los personajes rememorarán fragmentos de su pasado, con sorna, nostalgia o preguntándose cómo pudieron cometer semejantes locuras.

Precisamente esta nostalgia inunda buena parte del manga. Urasawa, posiblemente volcando parte de sí mismo en los personajes, hace que estos recuerden buenos tiempos de su juventud y muchos acontecimientos históricos, como la exposición de Osaka de 1970.

Asímismo, múltiples detalles de esos años se reflejan en la trama, con incontables referencias a otros mangas, y demás muestras de cultura popular, como la música.

De hecho, el título del manga viene de la canción homónima del grupo T-Rex, editada en 1973, con el cual, además, se iniciará la trama y tendrá múltiples apariciones.

Disfruten ahora, como hicieran los compañeros de clase de Kenji con dicha canción.